공감본능 Empathy Instinct

< 공감본능 Empathy Instinct >전은 현대사회의 여러 사회문제가 공감력의 부족으로 인한 것이 아닐까 하는 단순한 문제의식에서 출발하였다. 공감(Empathy 혹은 Sympathy)에 대해서는 미학, 철학, 심리학 등 연구분야와 학자들에 따라 그 의미가 상이하다. 인지적 측면과 정서적/감성적 측면 중 어느 요소를 강조하느냐에 따라 개념에 대한 해석의 차이가 크나, 역사적으로 볼 때 공감은 정서적인 요소로부터 인지적인 요소를 강조하는 쪽으로 변화해 왔다. 이에 본 전시에서의 공감은 인지적 요소를 강조하며 본능에 가까운 감각으로 향상시켜 보편적인 공감을 유도하고자 주제화 하였다.

역사적 트라우마를 주제로 한 < 공감본능 Empathy Instinct >전은 경험/비경험의 유무와 발언의 자격논란을 벗어나 기억과 기념의 방식에 대한 일종의 탐구이자 현재적 의미를 발견하는 소통과 사유를 나누는 데 있다. 41주년이 되는 5·18 민주화운동의 기억과 기념 그리고 재현의 방식에 대한 고민이 본 전시를 기획하게 된 배경이다. 또한 본 전시는 역사를 기억하고 기념하는 과정에서 발현된 재현의 방식과 이미지 연구에 대한 문제의식이 발현되어 국내외 예술가들과 함께 새로운 발화지점을 모색하고 현재적 의미를 들춰낸다. 이는 민주화운동을 비슷한 시기에 경험한 세 국가의 작가들이 참여해 역사적 사건을 경험하지 않은 세대가 기억하는 방식과 과거와 현재 사이의 관계를 구성하고 발견하려는 시도이다.

이 전시는 역사적 트라우마에 대해 우리사회가, 우리세대 혹은 다음세대가 어떻게 기억하고 기념할 수 있을지에 대한 예술적 시각을 담은 작품들로 구성되었다. 이 전시에 참여한 한국, 대만, 필리핀 7인의 작가들은 자국의 역사적 사회적 상황에 따른 관심주제를 기반으로 다각적인 시각을 반영했다. 이 전시를 계기로 직접적인 역사적 사건에 대한 메시지뿐 아니라 폭력의 역사, 인권 등 다양한 메시지를 담은 작품들로, 비경험 세대로서 우리가 어떻게, 무엇을, 왜 기억하고 기념해야 하는지에 대한 탐구를 함께하고, 트라우마의 틈새를 메꾸는 환기적 요소로 자리하기를 기대한다.

큐레이터 김선영

The exhibition < Empathy Instinct > starts with a simple question of how various social problems in modern society stem from a lack of empathy. Empathy means differently depending on who defines it and on the field of study that uses it, such as aesthetics, philosophy, and psychology. Despite the differences in definition according to which element of this capability is emphasized, the cognitive aspect of empathy has gradually received more attention than the emotional aspect. The exhibition traces this tendency as it explores cognitive elements of empathy and searches for the possibility of universal empathy by finding the element of this capability that sits next to human instinct in our
minds.
Seven artists from Korea, Taiwan, and the Philippines participate in this exhibition with works that grow from prolonged reflection on historical and social circumstances of their own countries.
The exhibition < Empathy Instinct > is also about historical trauma through which audiences can contemplate the ways of memory and commemoration regardless of whether or not they experienced those events and are qualified to speak for them. The yearning for communication and sharing different thoughts prompts us to uncover the meanings of those events to our contemporaries. The exhibition was motivated by concerns about the ways of memory and commemoration, and the method of representation of the May 18 Democratization Movement, which marks its 41st anniversary this year. In the process of remembering and commemorating the history through representation and images, a sense of problem in terms of method often emerges. This exhibition intends to reveal the
possibilities for novel ways of artistic representation with cooperative efforts of domestic and international artists to discover meanings those historical events hold in the present. It is an attempt to construct and discover the relationship between the past and the present, and the way that generations who have not experienced the periods of democratization of their countries find significance in those events of chronologically similarity.
The exhibition consists of works containing artistic perspectives on how our society, our generation or the next generation can remember and commemorate historical trauma. It contains not only stories of historical events, but also various messages on grave issues such as the history of violence and human rights. As a non-experienced generation, we explore how, what, and why we should remember and commemorate in terms of the historical trauma and look for ways to fill in the gap of time and experience as mediated by artistic elements.
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‌Curator Seonyoung Kim

비이성적 영역에 대해 주목하는 김진남 작가는 인간과 물의 결합으로 심리와 감정표현에 집중한다. 물의 특성인 반영과 투영을 통해 언어로 표현하기 힘든 인간의 감성을 포착한다. < 붉은 눈물 > 시리즈는 역사문제의 인식과 태도에 대한 문제의식을 가지고 경험적 진실을 정면으로 마주하고자 하며, 현재적 상황으로 이어지고 있는 먹먹함이 그대로 전달되어 정서적 공감으로 전이 되길 기대한다. 또한 위안부에 대한 용어적 문제, 역사적 트라우마와 여성의 인권에 대한 문제를 가시화하며 대상을 파편화하고 해체시키며 헤아릴 수 없는 눈물을 투영해 씻겨 내려가길 바라는 염원을 담고있다. 그는 절제된 묘사와 의도적 해체 그리고 흐름 기법의 표현을 통해 먹먹한 울림과 감성적 동요를 불러일으킨다. 특히, < 경계1 >은 물속에서 숨을 참고 있는 인물로 작가 자신이자 아직 해결되지 않은 현실을 반영하고 있으며 관람자에게 의도적인 불편함과 답답한 감성을 유도하여 공감을 이끌어내고자 한다. 경험자의 분노와 상처, 슬픔 그리고 한을 함축적으로 담아내어 역사적 트라우마와 인권 그리고 역사인식에 대한 문제의식을 전하며 개인적 공감을 통한 사회적 공감을 이끌어내고자 한다.

The artist KIM Jin-nam attends to the irrational realm, focusing on psychological and emotional expression through the combination of humans and water. Through reflection
and projection, which are the characteristics of water, the work captures human emotions
that are difficult to express in language. The < Red Tears > series seeks to confront experiential truth face-to-face with the awareness of the problems about the perceptions of and attitudes toward historical issues, and hopes that the heavy feeling leading to the present situation will be conveyed as it is and transformed to emotional empathy. In addition, the work visualizes the terminological problem of the military sexual slavery by Japan, the historical trauma and the problems of women's rights, as it fragments and dismantles the object, and wishes to wash away the trauma by projecting unreckonable tears. Through understated description, intentional deconstruction, and expression of flow techniques, the work evokes stunning re-sounding and emotional agitation. In particular, < Boundary 1 > presents a character who holds his breath in the water, reflecting the artist himself and a reality that has not yet been resolved, and attempting to elicit empathy by inducing deliberate discomfort and a frustrated sensibility to viewers. It conveys the consciousness of historical trauma, human rights, and historical awareness by implicitly expressing the anger, hurt, sorrow, and Han of the person’s experience, and tries to elicit social empathy through personal empathy.

영화제작자 그리고 인권운동가로 활동하는 키리 달레나는 필리핀 역사적 사건에서 가져온 정치적•사회적 불의의 문제를 다루는 작업을 전개해왔다. < Black Book of Slogans >은 2009년 에 첫 시도된 < Purple Book >과 연계된 시리즈로 2020년 3월부터 2021년 3월까지의 상황을 다룬다. < Black Book of Slogans >은 정부의 폭압적 정치에 대한 시위에 사용된 슬로건을 기록하고 있다. 이는 강압적인 통제와 불안정한 시스템, 인권과 자유를 향한 외침의 기록이다. 인쇄된 책은 각기 다른 과거의 이야기를 가진 서로 다른 종류들이 수집되어 의자 위에 놓여져 있다. 이 구성은 관람객들이 라운드테이 블 형식으로 의자에 둘러 앉아 함께 책을 읽고 의견을 나눌 수 있도록 고안되었다. 또한 슬로건이 제거된 시위현장의 이미지를 함께 배치함으로써 작가는 사회적 실천과 발언의 중요성에 대해 강조하고 있다. 작 가는 책자 작업을 통해 필리핀의 과거와 현재의 문제를 제기하고 그 내용을 지속적으로 업데이트함으로 써 비폭력적인 방식을 통해 국가 혹은 역사, 차별로부터 시위하고 이를 바라보는 시선을 제안 한다.

Kiri Dalena, a visual artist, filmmaker and human rights activist, has worked on the issues of political and social injustice brought about by the events of Philippine history. < Black Book of Slogans > is a series linked to < Purple Book >, which was first attempted in 2009, and deals with the situation from March 2020 to March 2021. < Black Book of Slogans > records the slogans used in protests against the government's oppressive politics. It is a record of oppressive controls, unstable systems, and the cries for human rights and freedoms. Printed books are placed on collected chairs of different types and pasts, and are designed so that visitors can sit in the chairs in a roundtable format to read books and share opinions. In addition, the importance of social practice and speech is emphasized by presenting the image of the demonstration site with the slogans removed. The artist raises the issues of the Philippines' past and present through a booklet and continuously updates its contents to propose a protesting gaze to view the country, history, and discrimination through a non-violent method.

문명의 외피에 가려진 자연의 근원적 질서를 드러내는 작업에 집중해온 신재은 작가는 < 머리, 어깨, 무릎, 발 >을 통해 생명의 도구화에 대한 주제의 작품을 선보인다. 역사 속뿐 아니 라 현대 경제 시스템에서 개인의 자유의지와 행복과는 무관한 목표를 위해 도구화된 존재들 이 보이지 않는 곳에서 노동력 즉, 육체를 ‘갈아 넣고’ 있는 현실을 조형화한 것이다. 여기서 도구화된 존재로 이용되는 돼지는 나와 무관한 대상화 된 타자일 수도 있지만, 돼지와 거의 비 슷한 유전체를 공유하고 있는 우리 자신이기도 하다. 거울에 투영되는 우리의 모습과 도시적 삶의 풍경은 뒤편의 다짐육 기기에서 일정한 틀에 의해 형체없는 덩어리로 배출되고 이 덩어 리는 프레임이 되어 우리를 둘러싼다. 도구화된 존재는 어디로부터 온 것이며 어디로 가는가 에 대한 질문인 것이다. 인간사회에서 발생되는 폭력성은 곧 항쟁과 투쟁의 역사였으며, < 머 리, 어깨, 무릎, 발 >은 인간이 어떻게 조절하며 살아갈 수 있을지에 대한 도구화의 변증법을 건네며 이 시대의 자유와 평등의 가치를 재점검하게 한다.

Artist SHIN Jae-eun, who has focused on the work of revealing the fundamental order of nature hidden beneath the crust of civilization, presents a work on the subject of becoming an instrument of life through < Head, Shoulders, Knees, and Toes >. It is molded with the reality in which the labor force, that is, the body, in the modern economic system as well as in history, for goals irrelevant to individual free will and happiness, is ground up in a place where there are no instrumentalized beings. The pig used as an instrumentalized entity here may be an objectified other unrelated to me, but we are also ourselves, who share a genome similar to that of the pig. Our image projected in the mirror and the landscape of urban life is discharged as a shapeless lump from the meat-grinder machine at the back, and this mass becomes a frame and surrounds us. It is a question of where the instrumentalized being comes from and where it goes to. The violence that occurs in human society is the history of resistance and struggle, and < Head, Shoulders, Knees, and Toes > conveys a dialectic of instrumentalization on how to control and live, in order to reexamine the values of freedom and equality in the current era.

주목받지 못하고 잊혀가는 개인의 기억과 역사에 대한 주제에 천착한 이상헌 작가는 < Stand against > 를 통해 억압에 대한 저항의지와 자유의지에 대한 메시지를 전한다. 그는 80년대 민주화운동 을 경험한 세대로서 두 다리를 땅에 딛고 굳건히 광풍에 맞서는 거대 인물상을 통해 일상 속의 민주주의 를 향한 소신을 전한다. 역사적 트라우마에 직면한 < 부질없는 기다림 >과 < 못을 박다2 >를 통해 경험자적 공감을 유도하고, < Stand Against >에 이르러 저항정신을 강조하며 작품의 서사를 완성한다. 특히 주목 할 점은 극한까지 가는 노동과 시간을 전제로 하는 자기 구도적 작업방식과 나무와 동일시 되는 작가적 태도이다. 시간과 노동 그리고 고민이 쌓여 가치를 찾는 과정은 자연적 소재인 나무의 물성에 고스란히 드러나고, 작가의 삶과 내면이 투영된 조각 작품으로 승화된다. 또한 두 세가지의 다른 나무종류를 조합 해 완성하는 다양성과 개성을 존중하는 의도를 엿볼 수 있다. 감정의 거친 질감 표현으로 과거의 기억과 흔적을 품고 있는 나무 조각은 인간의 원초적인 감정에 관한 향수를 자극하고 있다.

In < Stand Against >, artist LEE Sang-heon, who delves into the subject of personal memories and history that have been unnoticed and forgotten, delivers a message about the will to resist oppression and the will to be free. As part of the generation who experienced the democratic movement in the 1980s, he conveys his beliefs about democracy in everyday life through the image of a giant figure standing firmly against blasts of wind with both legs planted on the ground. In the face of historical trauma, he induces experiential sympathy through < Waiting in Vain > and < Nailed 2 >, and completes the narrative of the works by emphasizing the spirit of resistance when it reaches < Stand Against >. Particularly noteworthy is the self-constructive work method that premises labor and time to the utmost extreme and the artist's attitude, which is identified with the wood. The process of finding value by accumulating time, labor, and worries is revealed intact in the material properties of wood, a natural material, and transcended into a sculpture that reflects the artist's life and inner self. In addition, his work, completed by combining two or three different types of wood, respects and reflects the diversity and individuality of human society. The wood carvings bearing memories and traces of the past as a rough expression of emotions stimulate nostalgia for humans’ primal emotions.

개인의 사적 경험과 역사적 사실을 각색하여 은유와 비유를 들어 새로운 서사를 만드는 작업을 하는 조말 작가는 < 하얀광기 >를 통해 신념이 육체에 미치는 영향에 대한 의문을 던진다. 작가는 절두산 순교 성지를 발견하면서 ‘병인박해’라는 역사적 사건을 대면한다.그녀는 신념과 믿음에 따른 확신으로 죽음을 불사했던 여러 순교자의 이야기를 통해 행동 그 자체로서 의미가 부여되는 신성함에 대해 탐구한다. 극 한의 상황에 놓이더라도 신념과 믿음에 따라 행동하며 자신의 신체를 기꺼이 포기하는 인간의 태도에 대 해 주목하고 있는 것이다. 또한 작가는 순교가 혁명적 성격을 띄고 있으며 근본적으로 자유를 향한 몸부 림이란 것을 상기하며 현재에도 다양한 형태의 변주로 지속되고 있음을 강조한다. 특히 단두대의 칼끝은 수많은 사연을 적층시킨 형태로 표현하며, 존재의 핵심인 정체성(머리)이자 새로운 시대가 도래하기 위 한 과거에 대한 파괴, 구체제의 붕괴를 위한 도구로 표현된다. 동시에 찢긴 신체(죽음)는 거름이 되어 또 다른 탄생으로 거듭남을 암시하며 현재까지도 무고한 생명이 억울하게 희생당하고 있는 상황에 대해 새 로운 정신적 자각을 불러일으키는 근본적 성찰을 하도록 한다. 작가는 신념이나 믿음에 따른 행위가 정 당성이 부여되기도 하지만 다른 한편으로는, 뒤틀리고 일그러진 극단성을 지닌 맹목적인 상태는 다른이 의 신체를 무력화시킬 수 있음을 견제해야한다고 강조한다.

Jomal, who works on creating a new narrative using metaphors and figuration by adapting personal experiences and historical facts, presents a work that casts doubt on the effect of faith on the body through < White Madness >. When visiting the Jeoldusan Martyrs’ shrine, the artist encountered a historical event called “Byeongin Persecution”. Through the story of several martyrs who died with conviction based on faith, the artist explores the sacredness of meaning as an act itself. She takes note of the human attitude of being willing to give up one’s body, acting on faith and belief, even if people are in extreme situations. The artist also recalls that martyrdom has a revolutionary character and is fundamentally a struggle for freedom, emphasizing that it continues in various forms. In particular, the edge of the guillotine expresses numerous stories in a laminated form, and it is expressed as an identity (head), the core of existence, and a tool for the destruction of the past and the collapse of the old system in order that a new era may begin. At the same time, the shredded body (death) suggests that it becomes manure, implying another re-birth, and makes a fundamental reflection that arouses new mental awareness on the situation in which innocent lives are being unjustly sacrificed. The artist emphasizes that actions based on beliefs or faith are justified, but, on the other hand, they must be kept in check, as a condition of blind faith with twisted and distorted extremes can incapacitate another's body.

< The Blue Notebooks II: 공명의 기술 >은 강수지 작가의 사진에서 출발한 협력 작업이다. 물푸레나 무는 가지를 꺾어 물속에 넣으면 물을 푸르게 만든다 하여 붙여진 이름으로 수피는 소염제나 염색제, 껍질 은 약재, 목재는 농기구, 가구, 그릇의 재료로 활용된다. 생활과 살림을 돕는 나무인 한편 단단하고 뒤틀림 이 적어 조선시대에는 곤장, 5·18 당시 공수부대의 진압봉 재료로 사용되는 등 억압과 권력의 도구가 되 기도 했다. 이처럼 상반된 쓰임은 관람객들에게 무엇이든 될 수 있어 희망이고 존엄한 존재인 동시에 두려 움과 공포의 대상이 될 수 있는 우리의 모습을 보여준다. 추구하는 바에 따라 모습을 달리할 수 있음을 상 기하며, 공동체를 위해 나아가야 할 방향을 질문하고 함께 사유하고자 손을 내민다. 이러한 배경에 공감한 기획/ 창작/ 문학 영역의 예술인이 함께 그 의미의 확장과 형태의 번안을 시도했다. 135개의 피그먼트 프 린팅 사진 설치와 사운드, 문학가 이서영의 텍스트는 관람객을 작품 안으로 유도한다. 감상과 성찰에서 나 아가 적극적인 기억의 동참과 행동적 실천을 통해 연대의 필요성을 함께 고민해 보는 ‘장소’를 제안한다. 거대서사에 대한 일방향적인 공감을 강요하기보다는 비경험 세대로서 상상하고 공명하는 순간의 경험을 통해 일상의 부조리함에 맞서는 다음세대를 향한 ‘우리’의 개념을 전하고 있다.

< The Blue Notebooks II: The Art of Resonance > is a photo artwork with the theme of ash trees with intense colors. Ash wood is used as a significant material for “life” and “living”, being used for furniture, agricultural implements, and musical instruments. At the same time, it is also a material for tools of oppression and power, such as the military batons of the airborne troops in the May 18 uprising, and the sticks and paddles that were tools of punishment during the Joseon Dynasty. The conflicting symbolism of ash wood can suggest hope and dignity to viewers, but also fear and terror. Reminding ourselves that we can all change our faces according to our own pursuits, we reach out to ask questions and think together for the direction we should make for the community and the common good. Artists in the areas of planning, creation, and literature who sympathize with this endeavor are together attempting to expand its meaning and reshape its forms, inviting visitors into the artwork with 135 pigment- printed photographs. Going beyond appreciation and introspection, the artists suggest a “place” where we together can think about the necessity of solidarity through active engagement with memory and behavioral practice. Rather than forcing one-way sympathy with the major narrative, the work conveys the concept of “we” toward the next generation, which faces the absurdity of everyday life, through the experience of the moment of imagining and resonating as a generation without lived experience of Korea’s recent history of oppression.

이 작품은 제2차세계대전을 배경으로 태평양전쟁 당시 일본 정부에 의해 전쟁인력으로 착출된 작가 의 할머니의 과거 이야기에서 비롯된 역사적 내용을 담고 있다. 2차세계대전 당시 대만은 일본의 남쪽지 역팽창정책을 위한 주요 거점지였다.이를 위해 대만 조선소에서는 전쟁을 위한 배들이 정박하여 수리되고 이를 더 수용하기 위한 부두 건설이 진행되었다. 이 역사적 사건을 작가는 두가지 시선으로 바라본다. 하나는 작가의 할머니의 시선과 다른하나는 당시 대만 조선소의 다큐멘터리를 통해 바라보는 작가의 시선이다.영상은 할머니의 나레이션과 함께 당시 조선소의 모습을 보여준다. 시대에 반응하는 NI-KU라는 가상의 생물을 통해 가상의 내러티브를 형성하고 정치적 산물을 은유적으로 표현한다. 이는 역사와 기억, 꿈에 스며든다. 역사와 꿈, 가상의 공간과 물리적 공간, 현실과 허구는 끊임없이 겹쳐진다. 실제 일어난 역사 적 사건은 그 시대의 공유 경험과 집단적 기억을 반영하는 꿈처럼 보인다. 인류의 짧은 역사는 마치 할머 니가 잠자리에 들때 해주시던 옛날 이야기처럼 변해간다. 이처럼 이 작품은 무중력 허구의 공간이 되어 숨쉬는 휴식을 제공하고자 한다.

This visual work of Chia-Wei Hsu contains historical content from the stories of the artist’s grandmother, who was dispatched to work for a war preparation project by the Japanese government during the Pacific War of World War II. During the period, Taiwan was a major base for Japan's expansionist policy to the south. War ships were anchored and repaired at Taiwan's shipyards, and a new pier was being built to accommodate them. The artist looks at this historical moment from two different perspectives. One is the gaze of the artist's grandmother and the other is the gaze of the artisthimself through a documentary on the Taiwan shipyard of the past.The video traces his grandmother's narration and the appearance of the shipyard at that time. A virtual creation called NI-KU represents the period, forming a virtual narrative and metaphorical representation of political circumstances. It intertwines history, memories, and dreams. Pairings of history and dreams, virtual and physical spaces, reality and fiction constantly overlap. The actual historical events border dream-like imagesas they reflect the shared experiences and collective memories of those who lived throughthattime. The short history of humanitytransforms into a folk tale that a grandmother tellsher grandchildrenat bedtime. As such a story, this work aims to provide a zero-gravity fiction where audiences can rest somewhere between history and dream.